Arte elevada, arte comercial e o problema dos Beatles

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Em 1925, o presidente Coolidge disse: “Afinal, o principal negócio do povo americano são os negócios. Eles se preocupam profundamente em produzir, comprar, vender, investir e prosperar no mundo.” Considerando seu pragmatismo, essa declaração é valida para os americanos até hoje. Então, na primavera de 2020, projetei e supervisionei um seminário da divisão superior da Universidade do Arizona intitulado “Artes, Economia e Empreendedorismo”. Como filósofo e historiador da arte, eu estava interessado em explorar a relação entre a expressão artística e o mundo dos negócios.

A importância da arte para a sociedade e a cidadania diminuiu consideravelmente desde pelo menos a década de 1950. Eu esperava abordar essa situação bem conhecida conectando-a à vida cotidiana que as pessoas comuns vivenciam. Pedi aos alunos que pensassem em como a arte visual e a música clássica podem contribuir para o mundo dos negócios e, inversamente, como a economia e o empreendedorismo podem ser úteis na formação estética.

O curso refletiu sobre ideias de cultura, criatividade, beleza e agência humana enquanto revisava os princípios básicos da economia, os elementos formais da arte e como se aborda um empreendimento empresarial do mundo real. Ele examinou a história dos mercados livres, o desenvolvimento de museus e casas de leilões e o papel da moralidade em todas essas esferas.

São áreas ricas de intersecção econoestética. Curiosamente, no entanto, o tópico mais receptivo na aula foi uma discussão sobre a distinção entre alta arte e baixa arte– entre arte cultivada principalmente por meio de um senso elevado de “gosto” enculturado e aquela produzida comercialmente para um público popular. Todos os trabalhos finais abordaram esse assunto, de uma forma ou de outra.

A dicotomia foi introduzida através de uma discussão do livro de Tyler Cowen, In Praise of Commercial Culture. Cowen argumenta que monetizar a criatividade e a produção artística é uma força positiva para a cultura. Ele acredita que os artistas “perseguem uma mistura complexa de retornos pecuniários e não pecuniários”. O argumento aqui é que a cultura comercial/popular realmente atua intimamente e até gera a alta cultura. Essa linha de argumentação cita artistas como Beethoven, Mozart, Rembrandt, Shakespeare e outras figuras conhecidas da alta arte como figuras de arte popular orientadas para o mercado. Sua visão otimista sobre o papel da comercialização na esfera artística se opõe ao que ele articula como um “pessimismo cultural” generalizado que vê a mercantilização da arte como uma força degenerada.

O argumento é válido, até certo ponto. Assim como, em uma sociedade capitalista, os pobres podem se tornar ricos e os ricos podem se tornar pobres, manter uma separação rigorosa entre os domínios socioeconômico e cultural dificilmente é uma maneira produtiva de olhar para as artes. A subjetividade da opinião estética torna insustentável essa separação ossificada, quase platônica, entre arte alta e baixa.

Por outro lado, ser pago ou ter apoio popular à arte não é o mesmo que conhecemos hoje como cultura pop comercial. A cultura pop como a entendemos hoje só realmente se materializou com a proliferação das tecnologias de gravação, ou “a obra de arte na era da reprodução mecânica”, para usar a famosa frase de Walter Benjamin.

Isso não quer dizer que a distinção entre as artes altas e baixas seja completamente fabricada ou relativa. Algumas coisas que ingerimos são realmente melhores do que outras. Acho que a metáfora da nutrição é mais apropriada aqui (há uma razão para usarmos a palavra “gosto” em ambientes de alta arte). Assim como alguns alimentos são melhores/mais saudáveis ​​para um indivíduo, o mesmo se aplica ao que se consome mental e emocionalmente.

Pode-se comer junk food porque tem um gosto bom, está imediatamente disponível e é agradável. Mas, se isso é tudo o que se ingere, isso seria ruim e os problemas de saúde inevitavelmente se seguiriam. Deve-se principalmente consumir coisas que nutrem e ajudam no crescimento e regeneração. A nutrição que promove o corpo em direção à saúde e à felicidade é melhor para uma pessoa a esse respeito. Da mesma forma, se os suprimentos estéticos de alguém consistem apenas em música pop ou rock, filmes de terror, rap gangster, hip hop, death metal, capas de álbuns, grafite e coisas do gênero, então ele não está fazendo o que é melhor para seu coração e mente. A arte de alta qualidade tem a capacidade de promover o crescimento mental e emocional e elevar o espírito, uma das principais razões pelas quais é chamada de “alta arte”. A atividade econômica é uma troca de coisas consideradas valiosas, e os defensores da alta arte argumentam que sua intensificada troca experiencial é inerentemente valiosa.

Então temos os Beatles. Durante o seminário, mostrei aos alunos um gráfico da internet que colocava vários nomes e obras de arte em uma escala hierárquica usando um arranha-céu afilado para cima como auxílio visual. Por exemplo, Howard Stern e novelas estavam nos andares mais amplos de arte baixa; balé e Hamlet estavam nos andares estreitos de alta arte. Pedi aos alunos que nomeassem um artista musical ou visual contemporâneo que eles achavam que poderia ser ou seria considerado alta arte. Muitas respostas se seguiram, mas todos pensaram que os Beatles deveriam ser considerados alta arte.

Achei isso fascinante, porque nenhum dos alunos da turma tinha mais de 22 anos de idade. Assim, a nostalgia da juventude não foi um fator em sua determinação. É certo que a noção de alta arte parecia antiquada ou ultrapassada para muitos de meus alunos. Eles cresceram assistindo a vídeos do YouTube que imediatamente justapuseram vários tipos e gerações de música juntos. A ideia de uma música geracional que define exclusivamente a identidade de uma pessoa é agora coisa do passado.

Críticos culturais como Charles Murray e Daniel Asia acreditam que são necessários cerca de cinquenta anos (duas gerações) para determinar se um artista ou obra de arte pode ser considerado um acréscimo duradouro ao patrimônio cultural da humanidade. Quando os Beatles se separaram em 1970, precisamente cinquenta anos antes do início do seminário, o momento parecia propício para determinar se a banda poderia se enquadrar nas fileiras da alta arte.

Na verdade, esse grupo nunca me empolgou, e por isso não foi difícil para mim rejeitar a reivindicação de rigor argumentativo. Apontei que os Beatles faziam parte da contracultura dos anos 1960, que em sua raiz se opunha aos conceitos do “establishment”, como a alta arte em geral. Eles se juntaram aos hippies na tentativa de criar um mundo onde “All You Need Is Love”. Como uma banda com laços culturais tão subversivos pode ser considerada culturalmente elevada? Parece absurdo por definição.

A refutação é que os Beatles são amplamente reconhecidos como o melhor grupo da história. De fato, de acordo com a CBS, suas músicas são algumas das mais regravadas por músicos antigos e novos, eles têm o maior número de singles (21) a chegar à lista de 100 melhores da Billboard, eles receberam oito prêmios Grammy, um Oscar e foram listados em “As 100 pessoas mais influentes da revista Time no século XX”. Sua aparição no The Ed Sullivan Show em 1964 foi um ponto de virada na história cultural americana, assistida por setenta e quatro milhões de pessoas.

Para a lenda do rock Tom Petty, “Eles foram as primeiras pessoas com quem pudemos nos relacionar que nos mostraram que seus sonhos estavam ao seu alcance”. Esther Yang, uma jovem do Los Angeles Times High School Insider, admite que “Através do meu amor pelos Beatles, tornei-me mais atraída pela literatura do que pelo cálculo. Através do meu amor pelos Beatles, gosto de viver minha vida, em vez de documentar cada momento nas mídias sociais. E através do meu amor pelos Beatles, desenvolvi um senso de liberdade criativa e muitas vezes me vejo envolvida em novas ideias e criando novas soluções para problemas difíceis.”

Como esse sucesso comercial, emocional, intergeracional e popular duradouro poderia não estar vinculado à excelência estética, me disseram.

A resposta, eu acho, está no que significa ser culturalmente elevado pela arte. Segundo Roger Scruton, existe uma diferença entre arte e entretenimento. O primeiro está preocupado com as ideias. A obra de arte é o que importa e como sua apresentação nos leva ao “reino mais exaltado” da beleza. Por outro lado, o entretenimento tem tudo a ver com o efeito. Se não divertir, a experiência é considerada um fracasso. Isso não é verdade para a alta arte. Uma pintura ou peça musical pode ser bem-sucedida e duradoura mesmo que seja “desafiadora” ou pouco atraente (veja a obra de Francisco Goya, por exemplo). Os Beatles são divertidos (pense em todas as mulheres gritando que vemos nos clipes de TV). A música deles pode ser tocante às vezes (Yesterday e Blackbird vêm à mente). Eles podem inspirar outros a copiar suas músicas. Mas, no final, são efeitos, não ideias. Assim, não acho que possam ser considerados alta arte da maneira tradicional como a entendemos.

Isso, no entanto, nos traz de volta ao início. Devemos admitir que a “arte elevada” pode ser um padrão decadente. As altas artes da música clássica, literatura, pintura e escultura costumavam compor uma cultura compartilhada que quase todos reconheciam e apreciavam. Em grande medida, eles representavam tanto uma referência quanto uma marca em torno da qual poderíamos nos unificar. As altas artes não eram a única coisa que nos conectava, mas o valor de conhecer e experimentar essas obras clássicas de criatividade parecia ser universalmente reconhecido. Para aqueles de nós que ensinam história cultural, precisamos ser honestos com nós mesmos que isso não parece mais ser o caso.

Em última análise, porém, os Beatles são apenas a ponta do iceberg. Os Beatles são um problema porque abrem a porta para que outros artistas e obras não tradicionais, mas influentes, sejam considerados arte de alta qualidade. Os alunos do meu seminário apontaram Pink Floyd, Banksy, Les Misérables, The Godfather, Celine Dion e outros também como grandes candidatos à arte. Essas entidades artísticas, como os dung beetles (escaravelho de excrementos) do simbolismo egípcio antigo, poderiam emergir da terra inferior do sucesso comercial e ser associadas ao reino elevado do socialmente sagrado? Talvez saibamos mais em cinquenta anos.

 

 

 

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é Professor Assistente de Pesquisa no Centro para a Filosofia da Liberdade da Universidade do Arizona, onde traz sua experiência em questões de cultura para uma ampla gama de interesses de pesquisa: arte e filosofia asiática, arte e economia, liberdade e estética, arte e pobreza e geografia humanista.Ele é membro do Centro de Estudos Budistas da UArizona e é professor adjunto da Fred Fox School of Music. Seus textos podem ser encontrados no The Wall Street Journal, no Athenaeum Review, no Japanese American National Museum Traveling Exhibit, nos periódicos de revisão por pares Philosophies, Space and Culture e Social Philosophy & Policy, e em outros lugares.